Brooklyn Museum: Dream Weavers: Die Designer, die afrikanische Textilien revolutionieren

Von Karen Chung, Illustrationen von Rendani Nemakhavhani alias PR$DNT HONEY

Dieser Aufsatz wurde in Zusammenarbeit mit Africa Fashion aus Nataal-Ausgabe 3 erneut veröffentlicht und ist vom 23. Juni bis 22. Oktober 2023 im Brooklyn Museum zu sehen.

Das Erlernen einer Fertigkeit dauert 10.000 Stunden, heißt es. Stellen Sie sich also das Wissen vor, das von der Mutter an die Tochter, vom Vater an den Sohn weitergegeben wird, wenn die Anwendung dieser Fertigkeiten nicht in Stunden, sondern in Generationen akribischer Weiterentwicklung und Verfeinerung gemessen wird. Dank der Kunsthandwerker, die diese atemberaubenden Materialien gewebt, gefärbt, geschnitten, gesponnen, genäht, mit Perlen besetzt, gehäkelt und bestickt haben, haben Textilien in Afrika seit Jahrtausenden Wohlstand und Status bedeutet. In Ghana wird Kente – vielleicht das weltweit bekannteste Textil des Kontinents – auf Handwebstühlen gewebt, wobei in Kette und Schuss eine reiche Symbolik und Geschichtenerzählung eingebettet sind. In Äthiopien bringen fein gearbeitete Amhara-Stickereien die minimalistischen Formen von Baumwollkleidung auf ein neues Niveau. Und in Mali weisen tiefe, tintenblaue Fingernägel auf die Hände erfahrener Färber der jahrhundertealten Indigogruben hin.

Tausende Kilometer entfernt haben Petite Mains – „kleine Hände“ – wertvolle Fähigkeiten an Familien in den Haute-Couture-Ateliers der europäischen Modehauptstädte weitergegeben. Diese Ausrichtung ist dem südafrikanischen Designer Thebe Magugu nicht entgangen, der dieses Jahr in seiner ersten Kollektion für die AZ des verstorbenen Alber Albaz gegenüber Vogue sagte: „Die Dinge, die Luxus ausmachen, die Idee, Zeit damit zu verbringen, etwas zu erschaffen, das Geschichtenerzählen, etwas weiterzugeben.“ von Generation zu Generation weitergegeben werden – sind wirklich die gleichen, die man im afrikanischen Handwerk findet.“ Wir stehen an der Schwelle einer Textilrevolution und in einer Zeit der ethischen Auseinandersetzung mit der Modebranche – eine zeitgemäße Fortsetzung einer Bewegung, die vor Jahrzehnten ins Leben gerufen wurde. Aso oke – „Prestige-Stoff“ oder „Top-Stoff“ – wurde vom Powerhouse „Shade“ Thomas-Fahm populär gemacht, der oft als „Nigerias erster moderner Modedesigner“ bezeichnet wird, dessen Laden in Lagos, Shade's Boutique, die panafrikanische Post verkörperte und vertrat. Mit der Verwendung dieses exquisiten handgewebten Yoruba-Stoffs in zeitgenössischen Stilen verkörpert sie den Unabhängigkeitsgeist. Die europäische Vertrautheit mit den komplexen, faszinierenden Motiven von Bògòlanfini ist zu einem großen Teil Chris Seydou zu verdanken, dem malischen Modepionier, der diese atemberaubende lehmgefärbte Baumwolle in den 1960er und 1970er Jahren zu seinem Markenzeichen machte. Spulen wir vor ins Jahr 2012, als Suzy Menkes, damals vom International Herald Tribute, eine sich abzeichnende Neudefinition dessen anführte, was das Wort Luxus im 21. Jahrhundert bedeutet: „Konsumenten, insbesondere in der westlichen Hemisphäre, beginnen, Objekte zu schätzen, die von Menschenhand berührt werden.“ – und die Handarbeit in Afrika ist außergewöhnlich.“

Illustration von Rendani Nemakhavhani alias PR$DNT HONEY

Heute steht eine junge Generation von Designern an der Spitze einer Vielzahl neuer Herangehensweisen an Textilien – sie schaffen neue Netzwerke von Kunsthandwerkern und Spezialisten, meiden das traditionelle Modesystem und gründen Ateliers in ihren Heimatländern oder betreiben Hybridstudios über Kontinente hinweg. Dazu gehören der in Lagos lebende Kenneth Ize, bei dessen Debüt auf der Paris Fashion Week vor der Pandemie Naomi Campbell mitwirkte; Den Großteil seiner Kollektion fertigt er aus Aso-Oke- und Batik-inspirierten Textilien, die in einer Fabrik hergestellt werden, die er in Nigeria gegründet hat. In Abuja entwickelte Nkwo Onwuka von Nkwo den Dakala-Stoff aus Upcycling-Jeans, End-of-Line-Stoffen und Schneidtischabfällen, benannt nach dem sich wiederholenden Klickgeräusch des Webstuhls, der bei seiner Herstellung verwendet wurde. Emmanuel Okoro von Emmy Kesbit, der letztes Jahr die erste jährliche Show „Africa Fashion Up with Balenciaga“ gewann, setzt sich für Akwete ein, einen Stoff, der so bedeutsam ist, dass er eine Industrie hervorbrachte, und der der Stadt ihren Namen gab, an deren Eingang eine monumentale Statue von Dada Nwakwata, dem 19., steht -Jahrhundert-Meisterweber, der es erfunden hat.

Zu den anderen Kreativen, die Stoffe auf faszinierende Weise revolutionieren und kleine, jahrhundertealte Techniken und Herstellungsverfahren wiederbeleben, gehört Adeju Thompson vom Lagos Space Program, der mit dem, was er „Post-Adire“ nennt, Innovationen hervorbringt – der Anwendung der alten Indigo-Färbetechnik auf Strickwaren . Und der in Kamerun geborene und in Paris lebende Imane Ayissi, dessen Stücke für den roten Teppich von Zendaya und Angela Bassett getragen wurden, war 2020 zum ersten Mal Gastdesigner auf dem Haute-Couture-Programm in Paris. Er hat sowohl Kente als auch verwendet obom (Rindenstoff) und ndop (kamerunischer Indigostoff) und sagte gegenüber Vogue: „Meine Mission ist es zu zeigen, wie enorm vielfältig unsere Kulturen sind: Allein in Kamerun gibt es über 200 Dialekte; Es gibt eine tiefe Komplexität, die ich feiern möchte.“

Die in London lebende Textilkünstlerin Lorelle Aboagye erkundete und erweiterte die symbolische Sprache von Kente in ihrer Origins-Kollektion, die ihre Familiengeschichte dokumentierte, indem sie gewebte Stoffe, Drähte und oxidierte Unterlegscheiben miteinander verschränkte – ihre Reaktion auf den Anblick von Asante-Goldgewichten im V&A und eine Hommage an Metallhandwerk, praktiziert von ihrem Großvater. Sie ist zutiefst vom Potenzial von Textilien zum Geschichtenerzählen inspiriert und erklärt, wie sie indische Seide in eines ihrer Tücher integriert hat, um an die kreuz und quer verlaufenden Handelsrouten des Kontinents zu erinnern. Sie studierte Illustration, wechselte jedoch zu Textilien, als sie deren starkes erzählerisches Potenzial erkannte. „Ich erinnere mich an das erste Mal, als ich einen Webstuhl sah. Ich wusste nicht einmal, was es war! Es hat mich auf eine einzigartige Reise geschickt. Jetzt stelle ich mir vor, dass ich jedes Jahr ein neues Stück machen werde, und jedes einzelne wird etwas Kostbares sein, das ich meinen Kindern und Enkelkindern weitergeben kann.“

In den letzten Jahren hat sich in der Modebranche ein grundlegender Wandel vollzogen, und die schmutzige Wahrheit über das Ausmaß ihrer umweltschädlichen und ausbeuterischen Praktiken ist ans Licht gekommen. Die Pandemie war auch ein Weckruf für die Notwendigkeit und den Nutzen der Stärkung lokaler Lieferketten sowie für die Infragestellung von Arbeitsmustern und der erbarmungslosen Saisonalität des Modekalenders. Der Einzelhandelsumsatz mit Bekleidung wird auf rund 1,3 Billionen US-Dollar geschätzt, aber auch Mode trägt wesentlich zur globalen Erwärmung bei und ist für bis zu 10 Prozent der globalen Kohlenstoffemissionen verantwortlich.

Daher sind nun alle Augen auf Afrika gerichtet, den Kontinent mit der jüngsten Bevölkerungsgruppe der Welt, auf dem 70 Prozent der Bevölkerung unter 30 Jahre alt sind. Hier definieren sich Befürworter der neuen Avantgarde häufig als Designer-Aktivisten, was eine Generation lang ablehnt Business as Usual, das an der Spitze der Nachhaltigkeitsbewegung steht. Der Südafrikaner Lukhanyo Mdingi, gemeinsamer Gewinner des LVMH-Karl-Lagerfeld-Preises 2021, betont, dass Mode für seine Kollegen eine Möglichkeit ist, gesellschaftlich etwas zu bewirken. Für seine neueste Kollektion bezog er seine gewebten Textilien und Strickwaren von Handwerksgemeinschaften in Burkina Faso und Somalia sowie näher an seiner Heimat im Ostkap.

Illustration von Rendani Nemakhavhani alias PR$DNT HONEY

Ebenso begeistert sich Christèle Mbosso mit ihrer jungen Marke Maison Mbosso für ugandische Rindenstoffe, auf denen ihre neueste Kollektion basiert. Dieses vielseitige Material, das aus dem Mutuba-Baum gewonnen wird, wurde traditionell zur Konservierung von Leichen verwendet, verfügt über natürliche antimikrobielle Eigenschaften und bietet Schutz vor MRSA. „Es ist völlig nachhaltig, weil die Rinde jedes Jahr geerntet werden muss, damit sie wieder nachwachsen kann, und es ist nicht nur ein schönes Tuch, mit dem man arbeiten kann – die Verwendung in zuverlässigen Mengen ist eine Möglichkeit, die lokale Wirtschaft vollständig wiederzubeleben“, sagte sie. Das kenianische Start-up Green Nettle gewann 2019 den H&M Foundation Global Change Award für sein umweltfreundliches Textil aus der zähen Pflanze. Und im Tandem mit der Ethical Fashion Initiative, Bubu Ogisi von Iamisigo, der Studios zwischen Lagos, Accra und betreibt Nairobi fertigt jedes ihrer durchdachten Stücke auf Bestellung aus Stoffen an, die Pflanzenfasern mit recyceltem Kunststoff, Glas und Metall verweben. „Ich bin nicht an Massenfertigung interessiert“, sagte sie. „Ich verbringe Zeit mit alten Männern in Dörfern, die ihre Webfähigkeiten an ihre Enkelkinder weitergeben, denn nur so bleiben die Fähigkeiten erhalten.“

Während der afrikanische Luxusmarkt noch relativ klein ist, wird sich aus dem Rinnsal bald ein Rauschen entwickeln. Afrika hat mit dem Aufstieg einer blühenden Mittelschicht und einigen der vermögendsten Luxusmarkenkonsumenten der Welt beschleunigte politische, soziokulturelle, wirtschaftliche und demografische Veränderungen erlebt. Multimarken-Onlinehändler wie Industrie Africa und The Folklore spielen eine Schlüsselrolle dabei, afrikanische Marken auf den Markt zu bringen, und Farfetch hat kürzlich Farfetch Futures ins Leben gerufen, um schwarzen Designern geschäftliche und technische Unterstützung zu bieten. Damit einhergehend ist die Tatsache, dass Verbraucher Nachhaltigkeit und Ethik zunehmend berücksichtigen und es einen perfekten Modesturm gibt. Fashionomics Africa, eine Initiative der Afrikanischen Entwicklungsbank, die darauf abzielt, die Beteiligung an der globalen Textilmodeindustrie zu erhöhen, glaubt an ihr immenses Potenzial. „Die Kreislaufwirtschaft ist bereits in vielen afrikanischen Modemarken verankert, da sie auf einheimisches Wissen über Herstellungsprozesse zurückgreifen, die die Umwelt und die Menschen respektieren“, sagte Ökonomin und Sprecherin Emanuela Gregorio.

Der Vorteil, auf lokale Herstellung, Materialien und Lieferketten zurückzugreifen, liegt auf der Hand. Schauen Sie sich das Beispiel von MFP an, einem führenden Unternehmen für nachhaltige Textilien, das von der Guineerin Mariama Camara gegründet wurde und dessen Stücke von Michelle Obama getragen wurden. Von ihren Standorten in New York und Abidjan aus arbeitet sie mit einem großen Netzwerk hochqualifizierter Kunsthandwerker zusammen, unter anderem mit Ulla Johnson und Tory Burch.

Dies deckt sich mit der African Fashion Foundation, der gemeinnützigen Organisation von Roberta Annan, die das Thema Abfall neu überdenkt und die Kreislaufwirtschaft beschleunigt. Zur neuesten Design-Kohorte gehört Samuel Oteng, ein ehemaliger Finalist des Gucci Design Fellowship-Programms, der sich einer erfolgreichen Gruppe junger Kreativer anschließt, die Textilien aus Second-Hand-Märkten in Nigeria, Ghana und Senegal auf schöne und ungewöhnliche Weise umfunktionieren. Und auf dem Weg zur Zukunftstechnologie hat die britisch-simbabwische Biowissenschaftlerin Natsai Audrey Chieza einen Stofffarbstoff aus Streptomyces – einem im Boden vorkommenden Bakterienstamm – entwickelt, der die zum Färben von Stoffen erforderliche Wassermenge drastisch reduziert und daher das Potenzial zur Reinigung hat Massentextilproduktion.

Alphadi – der gefeierte nigerianische Designer und UNESCO-Friedensbotschafter – rief das Internationale Modefestival bereits 1998 ins Leben und äußerte seit langem lautstark seine Kritik an den mangelnden Bemühungen der Regierung zur Förderung einheimischer Produktion, da er sich des immensen wirtschaftlichen Wandels einer Branche bewusst ist. Es könnte zu einem großen Erwachen kommen. Jetzt übernimmt die neue Generation seine Rolle, indem sie antritt, die Erzählung ändert, Couture in allen Bereichen bis auf den Namen kreiert und die Dinge selbst in die Hand nimmt.

Karen Chung ist eine in London ansässige leitende Redakteurin mit Erfahrung in den Bereichen Mode, Schönheit und Lifestyle und ehemalige Redakteurin bei Tatler.

Rendani Nemakhavhani ist eine in Johannesburg ansässige Illustratorin und Art Director, deren starke und fröhliche Charaktere ihr Alter Ego PR$DNT HONEY widerspiegeln.